Miguel Abuelo - Buen Día, Día (1984)

Buen Día, Día es el último disco solista de Miguel Abuelo. Acompañado por casi todos los artistas que lo ayudaron en su carrera musical, lanza este disco en 1984. El estilo del álbum sigue la misma ruta que Abuelo siguió con la segunda formación de Los Abuelos De La Nada, es decir, que este disco tiene el sonido pop ochentoso que tan famosos hicieron a los Abuelos, aunque reune este estilo también con funk y otros ritmos latinos. Aunque no muy exitoso y reconocido en su época, gracias a que fue opacado por la creciente fama de la banda de Abuelo, el álbum incluye una de las obras maestras de Abuelo a nivel poético: "Buen Día, Día".
El álbum incluye dos canciones que registró en su exilio europeó: Una versión de "La Balsa", tema clásico de rock nacional y "Va Silvestre Bajo El Sol", una canción funk muy pegadiza.
También aparece "Mariposas De Madera", viejo tema de Abuelo, reversionado y esta vez cantado por su hijo Gato Azul, y "Verilí", tema con influencias de la música de la cultura india. Sin duda un disco muy versátil de la mano de Miguel Abuelo, quien previamente ha mostrado poder reinventarse a sí mismo las veces que quiera.

1. La Balsa
2. Pica Mi Caballo
3. La Mujer Barbuda
4. Americano Soy Del Sur
5. Apurate Josefina
6. Verilí
7. Días De Kuberito Díaz
8. Va Silvestre Bajo El Sol
9. Mariposas De Madera
10. Buen Día, Día

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Jethro Tull - Aqualung (1971)

"Aqualung" es el cuarto álbum de la banda de rock Jethro Tull, que fue lanzado en 1971 por Island Records, y uno de sus más famosos discos. Frecuentemente es considerado como un álbum conceptual, aunque el líder de la banda, Ian Anderson, niega que lo sea. El disco es principalmente conocido por la canción que da título al mismo: "Aqualung", que trata de un anciono pedófilo y vagabundo llamado de esa manera. Las letras de Anderson son muy críticas en canciones como "My God", "Hymn 43" y "Wind Up", criticando a la religión insitucionalizada y "Cross-Eyed Mary", que trata de una prostituta menor de edad.
El disco está lleno del estilo que caracteriza a Jethro Tull (rock progresivo con tintes folk, acompañado por la infaltable flauta traversa de Anderson, con pasajes tranquilos y melodiosos a períodos musicales energéticos que giran en torno a los solos de guitarra)
Un dato curioso es que, en los recitales, Anderon tomaba el papel del vagabundo Aqualung, tan en serio se tomó el rol que tomó el hábito de vestir como vagabundo durante años.

Traclist:
1. Aqualung
2. Cross-Eyed Mary
3. Cheap Day Return
4. Mother Goose
5. Wond'ring Aloud
6. Up To Me
7. My God
8. Hymn 43
9. Slipstream
10. Locomotive Breath
11. Wind Up

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Los Abuelos De La Nada - Diana Divaga (1967-1970)

Lo que publico acá es un compilado de singles de Miguel Abuelo, el de la primera etapa de Los Abuelos De La Nada, todos emitidos por radios y nunca editados, y de dos out-takes ("Pipo, La Serpiente" y "Lloverá).  Se puede decir que es toda la obra de la etapa psicodélica del entonces jóven Miguel Abuelo, antes de que se exiliara a Francia. De la temprana formación de Los Abuelos De La Nada salieron varios músicos que luego dejarían una huella en el rock argentino, entre ellos Claudio Gabis, de Manal, Pappo y Pomo Lorenzo. La banda se formó en 1968, año en el que editan el primer single "Diana Divaga", que contenía "Tema En Flu Sobre El Planeta" como lado B. Hacia 1969, Miguel Abuelo le cede el liderazgo a Pappo, guitarrista en ese entonces de la banda, ya que el primero no coincidía con el tipo de música blues que Pappo tenia en mente hacer. Y con este último a la cabeza editan el bluesero single "La Estación". Poco después la banda se separa y, luego de editar unos singles como solista ("Hoy Seremos Campesinos", "Oye Niño", "¿Nunca Te Miró Una Vaca De Frente", "Mariposas De Madera" y "Levemente Triste"), Abuelo se exilia a Francia, París. El nombre de la banda no sería retomado por Miguel hasta 1982.
Exceptuando el single de Pappo, las canciones de la banda en aquel momento tenía un tinte folk y psicodélico, a veces surreal, debido a la poesía de Miguel que caracteriza la mítica etapa inicial de la banda. Hay que tomar en cuenta que Miguel Abuelo fue el primero en Argentina en entender la psicodelia que venía desde los países anglosajones, y el primero en usarla. Un ejemplo es "Hoy Seremos Campesinos", single de Abuelo dedicado a Tanguito, otro artista argentino de la época, "Diana Divaga", tema que recuerda mucho a los comienzos de Pink Floyd con Syd Barrett a la cabeza, "Oye Niño", otro single suyo, cuya letra mostraba la poesía de Miguel. Y el clásico argentino: "Mariposas De Madera", tema que Abuelo reeditaría para su álbum solista en 1984. Otro tema muy llamativo es "Lloverá", que parece ser la maqueta instrumental para un tema que nunca se llegó a completar.

Tracklist:
1. Diana Divaga
2. Flu Sobre El Planeta
3. La Estación
4. ¿Nunca Te Miró Una Vaca De Frente?
5. Hoy Seremos Campesinos
6. Oye Niño
7. Mariposas De Madera
8. Pipo, La Serpiente
9. Levemente Triste
10. Lloverá

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The Rolling Stones - Aftermath (1966) (Versión U.S.A.)

Aftermath es, para mí, un disco único en la discografía de los Rolling Stones. ¿Por qué? Por el hecho de que este álbum tiene la huella de Brian Jones (el talentoso multiinstrumentista de la banda en ese momento) en todas las canciones, y eso es lo que lo hace diferente al resto de los discos donde predomina el dúo Mick Jagger/Keith Richards. Este es el primer álbum de los stones en estar hecho completa y exclusivamente por composiciones Jagger/Richards. Este disco marca un antes y un después en la historia de los Rolling Stones, en mi opinión porque estos se veían muy influenciados por el blues y R & B, y se nota bastante en los covers que realizaban. En cambio, en este y sus siguientes discos, se empieza a desarrollar su estílo "Stone" característico (aunque luego realizarian obras muy lejos de su estilo, como "Their Satanic Majesties' Request). Con respecto al trabajo de Jones en este disco, se nota cómo introduce instrumentos poco comunes en la música rock n roll en las canciones de Jagger y Richards. Por ejemplo: El uso de sitar en una de las canciones más conocidas de los Stones, "Paint It Black" y "Mother's Little Helper", el dulcimer de los Apalaches en la canción Lady Jane, las marimbas en "Under My Thumb" y "Out Of Time", y la harmónica en "High And Dry" y la de 11 minutos de duración: "Goin' Home".

Nota: La versión del disco que está alojada en el link de Mega es la versión estadounidense. Es decir, carece de las canciones: "Mother's Little Helper", "Out Of Time", "Take It Or Leave It" y "What To Do" que contenía la version inglesa, pero contiene "Paint It Black", canción que no aparece en la versión de UK.

Traclkist:
1. Paint It Black
2. Stupid Girl
3. Lady Jane
4. Under My Thumb
5. Doncha Bother Me
6. Think
7. Flight 505
8. High And Dry
9. It's Not Easy
10. I Am Waiting
11. Goin' Home

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The Beatles - Revolver (1966)

Revolver está catalogado como el primer álbum de la segunda etapa de The Beatles. Grabado en 1966, entre la infructuosa gira por Filipinas, que resultó, gracias a la declaración de parte de John Lennon: "Somos más grandes que Jesús", en una persecución por los cuatro beatles, y en una gran, GRAN quema de sus discos (mucha gente compraba sus discos solo para quemarlos, sus ventas aumentaron más de lo usual en ese período).
Así fue como, luego de causar revuelo en el Vaticano (se dice que alguien en ese lugar dijo en ese momento: "Tiene razón", refiriéndose a la afirmacion de Lennon) y todos los lugares que pisaron en esa gira, decidieron rotundamente cancelar las giras y los shows en vivo durante el resto de su carrera.
Este álbum particularmente es el que da comienzo a la experimentación en la carrera de la banda, que venía gestándose desde el año anterior en su previo álbum: "Rubber Soul". Gracias al cancelamiento de shows, los beatles pudieron dedicarse de lleno a las sesiones de estudio y ahora podrían comenzar a crear temas que nunca podrían ser interpretados en vivo, gracias a los trucos de estudio que requerían estos. Con esto en mente, y bajo las influencias de drogas como la marihuana (a la que los introdujo Bob Dylan) y el LSD, crearon esta joya ácida, en la que su propia tapa ya le anticipa un cambio radical al oyente.
Y así nacieron canciones como: "Tomorrow Never Knows", canción de Lennon (en la que cantaba de cabeza, ya que según él, su voz podría funcionar mejor así), llena de trucos y efectos de estudio. "La experiencia de tomar LSD, hecha cancion", describió John. También se encuentra "Love You To", de George Harrison, como una de las canciones mas experimentales del grupo, en la que se hace el uso el sitar y varios instrumentos caracteristicos de la India, país por el que George sentía intenso interés (y a dónde viajaría la banda en 1968). También están: "I'm Only Sleeping" y "Got To Get You Into My Life", de John Lennon y Paul McCartney respectivamente, en las que los dos hacen alusión a la marihuana.
Destaca muchísimo la canción "Eleanor Rigby", de McCartney y sus arreglos de cuerdas. Canción en las que ningún beatle tocó un instrumento. Un dato curioso es que "She Said She Said" surgió de una juntada de Lennon, Peter Fonda y otras personas para tomar LSD. Otro es que "Doctor Robert" fue dedicada a Bob Dylan, cuyo nombre real es Robert Allen Zimmerman.

Tracklist:
1. Taxman
2. Eleanor Rigby
3. I'm Only Sleeping
4. Love You To
5. Here, There & Everywhere
6. Yellow Submarine
7. She Said She Said
8. Good Day Sunshine
9. And Your Bird Can Sing
10. For No One
11. Doctor Robert
12. I Want To Tell You
13. Got To Get You Into My Life
14. Tomorrow Never Knows

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Miguel Abuelo & Nada - Et Nada (1975)

Es curiosa la historia de este disco, grabado en 1973 pero recien sacado a la luz en 1975. Fue un disco hecho exclusivamente por exiliados latinoamericanos (argentinos y uruguayos): Miguel Abuelo (Abuelos de la Nada) en voz y guitarra rítmica, Daniel Sbarra (Virus) en guitarra eléctrica y coros, Daniel Rodriguez en batería, Pinfo Rodriguez en bajo, Juan Dalera en quenas y Carlos Beyris en violonchello. Lo que tienen en común todos estos músicos es que se exiliaron todos a Francia, donde grabaron este álbum, muy al estilo Jethro Tull. En mi opinión es, si no el mejor, uno de los mejores álbumes en los que tuvo participación un músico argentino. Producido por el productor israelista Moshe Naim, la banda grabó el LP "Nada". Las canciones y el disco parecían prometer mucho pero, gracias a la mala forma en la que se publicitó el disco (además, ¿quién iba a comprar en Francia, un disco de una banda que cantaba en español?), este vendió muy poco y la banda se disolvió poco después por diferencias entre los integrantes. Especialmente entre Miguel y Daniel.

En el álbum, las letras del poeta Miguel Abuelo se unen con la excelente calidad de los músicos allí presentes para formar las 7 canciones muy al estilo Deep Purple, lleno de rock progresivo y sinfónico. Por ejemplo: "Tirando piedras al río", la canción que abre el disco, esta llena de riffs a lo Purple, y de la poesía infaltable de Abuelo. Sin embargo, la banda no se olvida de atravesar el estilo folk en "Recala Sabido Forastero". También figuran "El Largo Día De Vivir", canción muy hippie, a lo "Mañana Campestre", de Arco Iris, y "Estoy Aquí Parado, Sentado Y Acostado", canción de 9 minutos que refleja todo lo que los músicos del disco eran capaces de hacer.

Este disco se editó una vez en CD en Francia (cuyas copias son hoy imposibles de encontrar) pero nunca se editó en ninguna parte de Latinoamérica. Sin dudas es un disco que hay que escuchar. Muchas veces referido como el "puente" del Miguel Abuelo hippie y psicodélico de los 60's al Miguel Abuelo pop de los 80's, con la segunda formación de Los Abuelos De La Nada, ya con Andrés Calamaro y demás.

Tracklist:
1. Tirando Piedras Al Río
2. El Largo Día De Vivir
3. El Muelle
4. Señor Carincero
5. Recala Sabido Forastero
6. Estoy Aquí Sentado, Parado Y Acostado
7. Octavo Sendero

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Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)

Este disco es el segundo en la discografía de Bob Dylan en tener la característica de abandonar el sonido folk que tanto acompañó a Bob en sus primeros años, y reinventarse a si mismo para electrificarse. Luego de publicarse "Bringin' It All Back Home", su anterior disco, Dylan fue criticado duramente por sus seguidores debido a que "traicionó la cultura folk". Sin embargo, sus letras políticas seguían estando presentes en sus discos. Este es uno de los álbumes más icónicos de la carrera de Bob Dylan y de la década de los 60's, donde se incluye su canción mas conocida: "Like A Rolling Stone", que empieza con el riff de órgano ejecutado por el entonces jóven músico de sesión: Al Kooper. La canción trata de una jóven que tuvo la mejor educación y todos los lujos pero luego su condición social desciende abruptamente, y no tiene ninguna experiencia significativa con la que subsistir. Dylan se burla de esta jóven en la canción, pero a la vez muestra la libertad de no tener nada: "Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder"/"Eres invisible ahora, no tienes secretos que ocultar". También incluye otras canciones como: "Ballad Of A Thin Man", otra canción de protesta de Dylan, "Highway 61 Revisited", donde se cuenta la historia de 5 personas, cada una con un problema, que al final resuelven en la "Highway 61"

Al final del disco se acerca "Desolation Row", una canción atractiva por sus 11 minutos y por la letra surrealista del señor Dylan, haciendo mención de varios personajes famosos reales, y ficticios.

En la grabación de este disco participaron músicos de sesión como el ya mencionado Al Kooper (órgano y piano) y Mike Bloomfield (guitarra).

1. Like A Rolling Stone

2. Tombstone Blues

3. It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry

4. From A Buick 6

5. Ballad Of A Thin Man

6. Queen Jane Aproximately

7. Highway 61 Revisited

8. Just Like Tom Thumb's Blues

9. Desolation Row

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Syd Barrett - The Madcap Laughs (1970)

The Madcap Laughs, de 1970, es el testimonio de quizás el peor momento de Syd Barrett en su corta carrera musical.  Producido por Roger Waters y David Guilmour, estos querían que el disco sonara "crudo", para mostrar al mundo la verdad de Barrett, y su estado mental. Así que el disco consiste, sin muchos arreglos y en bruto, en Syd y su fender telecaster. Fué un disco difícil de grabar, tomando en cuenta la inestabilidad de Barrett. Así, durante el álbum Syd va sacando a la luz su condición mental, y su personalidad caótica, depresiva, pero brillante. "Please lift a hand, i'm only a person whose armbands beat on his hands"/"Hang tall, won't you miss me? Wouldn't you miss me at all" cantaba Syd en "Dark Globe".
Este disco contiene la canción más reconocida del músico en su carrera solista de 2 álbumes: Octopus. El único single en la carrera de Barrett (con "Golden Hair", un poema de James Joyce cantado por Syd como Cara B). Otros temas que merecen mención son: "Love You", "No Man's Land" y "If It's In You".

Tracklist:
1. Terrapin
2. No Good Trying
3. Love you
4. No Man's Land
5. Dark Globe
6. Here I Go
7. Octopus
8. Golden Hair
9. Long Gone
10. She Took A Long Cold Look
11. Feel
12. If It's In You
13. Late Night

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Neil Young & Crazy Horse - Rust Never Sleeps (1979)

Rust Never Sleeps es un disco polifacético. La razón de esto es que la cara A del álbum se caracteriza por contener canciones acústicas, folk... tranquilas, podría decirse. Y la cara B es cuando Neil se electrifica y hace al álbum un poco más movido. Este disco aloja una de las canciones más famosas del artista: "My My, Hey Hey (Out Of The Blue)" en la cara A, y "Hey Hey, My My (Into The Black)", que da inicio al lado B del disco. Son la misma canción, pero una es acústica y otra, electrificada, respectivamente. Siguiendo así el respectivo estilo de cada cara del disco. Este disco representa uno de los mejores en la extensa carrera de Neil Young (a veces apodado "el padrino del grunge") y la verdad es que el álbum se merece ser lo suficientemente reconocido. Del tranquilo lado A, además de la versión de My My, Hey Hey, se destaca la nostáliga "Thrasher", "Pocahontas", cuya letra habla de la destrucción de una civilización aborígen, y "Sail Away", que fue grabada sin su banda de apoyo "Crazy horse".
Y abriendo el lado B, se destaca también "Powderfinger", con su cruda guitarra, y "Welfare Mothers".
Así se constituye este disco, elaborado por Neil y su banda Crazy Horse.

Tracklist:
1. My My, Hey Hey (Out Of The Blue)
2. Thrasher
3. Ride My Llama
4. Pocahontas
5. Sail Away
6. Powderfinger
7. Welfare Mothers
8. Sedan Delivery
9. Hey Hey, My My (Into The Black)

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Sui Generis - Vida (1972)

Este disco, publicado en 1972, marca el comienzo de la prolífica carrera de Charly García, acompañado desde este disco hasta 1975, en el adiós Sui Generis, por Nito Mestre. Según los dos músicos, es un disco casi infantil e inocente. Y si esa no es la verdad, está muy cerca de serlo. Ya que se nota mucho en las letras adolescentes del temprano García. Después de casi 2 años buscando una discográfica que quisiera financiar su disco, casi por lástima, consiguieron grabar el disco con los músicos de la pesada del rock n roll, liderada por Billy Bond. Como los músicos eran músicos de blues, obligaron a Charly y Nito a poner, aunque sea, un tema de blues en el disco. De mala gana, Charly compuso "Toma Dos Blues", para cumplir con el pedido de los músicos de sesión que lo acompañaban. Este tema en particular contrasta con la onda folk estadounidense influenciada mucho por Bob Dylan que tienen las demas canciones del álbum.
El resto de las canciones hablan del paso de la juventud a la adultez, de amores perdidos y encontrados, vivencias cotidianas. Por eso mismo pienso que el disco mereció llamarse "Vida". 
Canciones con esta temática son: "Canción Para Mi Muerte", una triste balada de amores y de un tiempo que fue hermoso. "Necesito", una alegre canción de un muchacho en busca de una chica hippie ("Y que no le importe mi ropa/si total me voy a desvestir").l Le siguen temas como "Estación", una canción corta pero efectiva, "Dime Quién Me Lo Robo", una canción de 6 minutos que es la que retrata más el estilo adolescente de las letras de García. El descubrimiento de García de que, de repente maduró y que necesita una mujer con la que juntarse y establecerse, para vivir una vida "normal".
Más adelante sigue "Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris". Canción que muestra, con una cruel ironía, la vida de cualquier ciudadano normal, con una vida tranquila y sin giros. Charly describe en esta canción todo en lo que él no quiere convertirse. Una de las canciones más tranquilas de este disco es "Quizás Porqué", cantada por Charly y Nito, acompañados sólo por una guitarra. La letra de este tema muestra una paradoja: La capacidad de alguien para hacer cualquier cosa, sólo por el hecho de no ser experto en lo que quiere hacer.("Quizás porque no soy un buen artista, puedo decir "tu pintura está lista" y darte orgulloso este mamarracho"/"Quizás porque no soy de la nobleza, puedo nombrarte mi reina y princesa y darte coronas de papel de cigarrillo"). 
Ya casi al final del disco, empieza "Cuando comenzamos a nacer", otra canción que toca el tema básico del disco: Madurar y adaptarse a la forma de vida aburrida y típica. ("Cuando comenzamos a nacer, la mente empieza a comprender, que vos sos vos y tenés vida"/"Y descubrís que amor es más que una noche y juntos ver amanecer"/"Poco a poco, vos te conformas, si no es amor es tuya igual. Y vos le das lo que te pida"). 
Al final del disco aparece "Posludio". Una pieza instrumental de piano tocada por Charly, acompañada de una flauta, tocada por Nito Mestre. Esto, además de mostrar lo virtuoso de Charly, le da un perfecto cierre al disco.

Todos los temas compuestos por García excepto donde se aclare.
Tracklist:
1. Canción Para Mi Muerte
2. Necesito
3. Dime Quién Me Lo Robó
4. Estación
5. Toma Dos Blues
6. Natalio Ruiz, El Hombrecito Del Sombrero Gris (Piégari/García).
7. Mariel Y El Capitán
8. Amigo, Vuelve A Casa Pronto
9. Quizás Porqué
10. Cuando Comenzamos A Nacer
11. Posludio

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The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold As Love (1967)

Axis: Bold As Love fue, en su momento, criticado por "no estar a la talla" del álbum predecesor de Jimi: "Are You Experienced?". Pero la verdad es que toda la trilogía de discos de The Jimi Hendrix Experience es totalmente única y juntos forman una de las, aunque lamentablemente corta, mejores y perfectas discografías jamas hechas de la música moderna. Lo bueno de este disco es que cada canción está ahí por una razón, nada de temas de relleno, ni nada parecido. Cada tema parece hablar por sí solo y completa la magnificencia del disco. Un álbum totalmente redondo.

Este disco incluye algunos de los temas mas reconocidos y venerados del señor Hendrix. Como por ejemplo: "Spanish Castle Magic", "If 6 Was 9", y la archiconocida "Little Wing". Pero todos los temas son dignos de mención. Como el curioso primer track: "EXP", una falsa entrevista en la que hablan Jimi y el baterista Mitch Mitchell acerca de platos voladores y alienígenas. También destacan "Wait Until Tomorrow", con sus coros, y "She's So Fine", tema escrito por el bajista Noel Redding y "Up From The Skies", tema en el que Hendrix hizo uso del efecto "wah-wah" de la guitarra.

La historia del artwork del disco es particular: Jimi Hendrix tenía descendencia Cherokee, una de las tantas comunidades aborígenes de América. Así que Jimi reclamó que la tapa del disco tenga algo que ver con sus orígenes. Por error, los ilustradores crearon una tapa inspirada en la cultura hindú, en Asia. Sin embargo, Jimi decidió obviar esto y dejar la tapa cómo los ilustradores la hicieron.

Tracklist:

1. EXP

2. Up From The Skies

3. Spanish Castle Magic

4. Wait Until Tomorrow

5. Ain't No Telling

6. Little Wing

7. If Six Was Nine

8. You Got Me Floatin'

9. Castles Made Of Sand

10. She's So Fine

11. One Rainy Wish

12. Little Miss Lover

13. Bold As Love

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The 13th Floor Elevators - Easter Everywhere (1967)

Después del debut de esta banda con "The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators", se nota un crecimiento musical en este segundo disco. Principalmente porque mejora la calidad de sonido, superando la calidad "garage 60's" del primer disco. Este álbum, además de tener mejoras en cuanto al sonido, tambien muestra cómo madura Roky Erickson (compositor principal de la banda) en las composiciones. Uno se da cuenta de esto al escuchar "Slip Inside This House", tema que abre el disco de una manera maravillosa. 

Este álbum es la genial obra que Roky alcanzó a crear antes de volverse completamente loco y ser internado en un manicomio, mientras él juraba ser un marciano. 

Además de contener la psicodélica obra maestra "Slip Inside This House", también contiene "Nobody To Love", "I Had To Tell You" y "Dust", algunas de las mejores canciones de la banda. También hay un cover "trippy" de la canción de Bob Dylan: "It's All Over Now, Baby Blue", en este disco acortada y nombrada como: "Baby Blue".

Tracklist:

1. Slip Inside This House

2. Slide Machine

3. She Lives (In A Time Of Her Own)

4. Nobody To Love

5. Baby Blue

6. Earthquake

7. Dust

8. Levitation

9. I Had To Tell You

10. Postures (Leave Your Body Behind)

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Simon & Garfunkel - Sounds Of Silence (1966)

Se podría decir que Sounds of Silence es el mejor logro del dúo Simon & Garfunkel y de las composiciones de Paul Simon, acompañado del disco Bridge Over Troubled Water. Aún así, este álbum tiene una esencia que ningun otro disco de S & G, o ningun otro disco de folk, si vamos al caso, tienen. Durante la reproducción de las 11 canciones del disco, el oyente no deja de sentirse como en un paisaje rural: Tranquilidad, naturaleza y sobre todo folk. El disco abre con uno de los grandes, grandes clásicos de los 60s: The Sound Of Silence. 

Está claro que es un álbum para dejarlo en una lista de reproducción y tirarse en la cama a pensar. Paul Simon nos introduce a un clima de paz en este muy bien logrado disco. Es obvio que Art Garfunkel no se queda atrás, aportando su voz angelical en los temas. Entre lo que se destaca del disco está: "Anji", una versión instrumental del anterior track, "Somewhere They Can't Find Me", "Leaves That Are Green" y "April Come She Will", que habla de un amor viejo. Todo el disco es hermoso.

Tracklist:

1. The Sounds Of Silence

2. Leaves That Are Green

3. Blessed

4. Kathy's Song

5. Somewhere They Can't Finde Me

6. Anji

7. Richard Cory

8. A Most Peculiar Man

9. April Come She Will

10. We've Got A Groovey Thing Goin'

11. I Am A Rock

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Jack White - Blunderbuss (2012)

Cualquier persona que esté familiarizada con el trabajo de Jack White previo a este disco, se puede quedar sorprendido del giro que le da este genial músico a su carrera, sin previo aviso. Jack White, anteriormente de los White Stripes, se caracteriza por su sonido garage y a veces punk. Pero en este disco, ese no es el caso. Entonces, si esto no se parece a nada que haya hecho Jack previamente, ¿qué es? Blunderbuss es un disco en el que están muy presentes las influencias de música bluegrass (utilizan cosas de este género, como por ejemplo la mandolina) y Soul. Pero aunque White se haya alejado un poco de sus orígenes, no significa que los haya olvidado del todo, entre todas las influencias que acabo de citar también se mezclan con ellas el típico sonido garage y la guitarra inconfundible de White, lo que lo hace un disco único y muy, muy bien logrado. Algunos de los temas que tienen la "huella White" bien marcada son: "Sixteen Saltines" y "Missing Pieces". Mientras que hay otros temas que son muy diferentes, bien marcados por el Soul y Bluegrass y quién sabe qué otra cosa que haya pasado por la cabeza de este genio: "Hip (Eponymous) Poor Boy", "Trash Tongue Talker", "Blunderbuss", y "I Guess I Should Go To Sleep". Este disco certifica que Jack White es un músico versátil y capaz de reinventarse a sí mismo cuando él quiera, dejando con un buen sabor en la boca a cualquiera que escuche sus discos.


Tracklist:
1. Missing Pieces
2. Sixteen Saltines
3. Freedom At 21
4. Love Interruption
5. Blunderbuss
6. Hypocritical Kiss
7. Weep Themselves To Sleep
8. I'm Shakin'
9. Trash Tongue Talker
10. Hip (Eponymous) Poor Boy
11. I Guess I Should Go To Sleep
12. On And On And On
13. Take Me With You When You Go

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T. Rex - Electric Warrior (1971)

Electric Warrior, de T. Rex está en la lista de los discos más importantes de la historia del rock por una razón: Haber inventado un nuevo subgénero (glam rock) que  revolucionó la década de los 70's. Este álbum es un total giro en la carrera del por entonces jóven Marc Bolan, cantante, guitarrista y frontman de la banda (anteriormente dúo), ya que sus anteriores álbumes estaban llenos de música folk y letras que parecían ser sacadas de un libro de fantasía. Todas las canciones conllevan una atmósfera suave y "sexy", podría decirse, la cual fue característica del subgénero en ese entonces naciente. Producido ingeniosamente por Tony Visconti, sus arreglos y la música de Marc Bolan lograron definir al glam-rock e influenciar a los artistas tanto contemporáneos como futuros (David Bowie, Roxy Music y Gary Glitter son algunos exponentes del género glam-rock). Este disco catapultó instantaneamente a la fama a Marc Bolan al punto de considerárselo un "sex symbol" de la época. El álbum fue altamente aclamado entre la crítica y el público, junto con los sencillos del disco "Bang a Gong (Get It On)", "Jeepster" y uno de sus más famosos temas: "Hot Love", el cual se posicionó en el primer lugar del chart de singles de UK.
En el álbum se destacan temas como "Mambo Sun", que abre el disco, "Girl", "Jeepster", "Bang a Gong (Get  It On)" y "Planet Queen". Lo que posteo ahora es la versión de relanzamiento, que además de contener el tracklist normal, también contiene out-takes, versiones acústicas, el single "Hot Love" y una entrevista a Marc Bolan, contando detalles de la grabación del disco.

Tracklist:
1. Mambo Sun
2. Cosmic Dancer
3. Jeepster
4. Monolith
5. Lean Woman Blues
6. Get It On
7. Planet Queen
8. Girl
9. The Motivator
10. Life's A Gas
11. Rip Off
Relanzamiento:
12. There Was a Time
13. Raw Ramp
14. Planet Queen (Acoustic Version)
15. Hot Love
16. Woodland Rock
17. King Of The Mountain Cometh
18. The T. Rex Electric Warrior Interview

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The Kinks - Something Else (1967).

Something Else es uno de esos discos que te hacen suspirar y decir: "Ah, los 60's...". Este disco está repleto de melodías pop pegadizas desde cualquier lado por donde se lo mire, un disco infravalorado hecho por una de las mejor bandas de los 60's, también infravaloradas. Entre todas las obras maestras que ha publicado este grupo a través de los 60's y 70's (muchas de ellas óperas Rock), puedo decir que este disco, si no es mi favorito, está muy cerca de serlo, junto con Face To Face (1966) y Lola (1970). Este disco tiene el honor de llevar consigo varios clásicos de los 60's creados por los hermanos Ray y Dave Davies. Uno de ellos, "Death Of A Clown", compuesta por este último. Acompañan a esta canción otras joyitas como "David Watts", tema que abre el disco, "Harry Rag", "Tin Soldier Man" y la que para mí es, la canción mejor lograda del disco: "Waterloo Sunset". Que, curiosamente, es la que cierra el disco, tal vez para darle un "cierre de oro" a este gran álbum. El inconfundible riff al inicio de la canción la hace otro clásico sesentoso.
Algo curioso de este disco es que, tomando en cuenta su fecha de salida (1967), es raro no encontrarse con nada que tenga tintes lisérgicos, o influenciado por el rock psicodélico, género muy de moda en esa época. Al parecer, Ray y Dave se dejan llevar por lo que sale de ellos mismos, en vez de apegarse a lo que en ese momento estaba en auge.

Tracklist:

1. "David Watts" (Ray Davies)
2. "Death of a Clown" (Ray Davies, Dave Davies)
3. "Two Sisters" (Ray Davies)
4. "No Return" (Ray Davies)
5. "Harry Rag"  (Ray Davies)
6. "Tin Soldier Man" (Ray Davies)
7. "Situation Vacant" (Ray Davies)
8. "Love Me Till the Sun Shines" (Dave Davies)
9. "Lazy Old Sun" (Ray Davies)
10. "Afternoon Tea" (Ray Davies)
11. "Funny Face" (Dave Davies)
12. "End of the Season" (Ray Davies)
13. "Waterloo Sunset" (Ray Davies)

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Led Zeppelin - Led Zeppelin III (1970).

En esta oportunidad, traigo uno de los mejores discos de la banda que lo grabó y del rock en general: Led Zeppelin III. Led Zeppelin III es un disco totalmente diferente en la discografía de Zeppelin, de esos discos suyos en los que cambian totalmente sin previo aviso (como por ejemplo también In Through The Out Door). ¿Qué cambia en este disco? Led Zeppelin era una banda que se tiraba mas al rock n roll y blues en sus primeros dos discos (Led Zeppelin I y II). Este disco no fue muy bien recibido gracias al abrupto paso del rock/blues al estilo folk que emana de este álbum. Los aires folk y "campestres" de este disco tomaron forma gracias al lugar donde los miembros de la banda fueron a descansar despues de la gira y el éxito de Led Zeppelin II. Las composiciones de los músicos se vieron influenciadas por la átmosfera del campo, gestando estos maravillosos temas.
Aún así, la banda sigue teniendo influencias de rock n roll y blues (como Immigrant Song y Since I've Been Loving You), pero lo que predomina en este disco es el folk-rock, como Gallows Pole (una canción tradicional modificada por Page y Plant), Tangerine, Bron-Yr-Aur Stomp y la mística Friends. Álbum que prueba la versatilidad de los músicos que formaban esta genial banda. Un disco infaltable en la biblioteca de cualquier persona que quiera escuchar buena música.

Tracklist:
1. "Immigrant Song" (Page/Plant) 2:23
2. "Friends" (Page/Plant) 3:54
3. "Celebration Day" (Page/Plant/Jones) 3:28
4. "Since I've Been Loving You" (Page/Plant/Jones) 7:24
5. "Out On the Tiles" (Page/Plant/Jones/Bonham) 4:05
6. "Gallows Pole" (trad. arr. Page/Plant) 4:56
7. "Tangerine" (Page) 3:10
8. "That's the Way" (Page/Plant) 5:37
9. "Bron-Y-Aur Stomp" (Page/Plant/Jones) 4:16
10. "Hats Off to (Roy) Harper" (trad.) 3:42

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